Face à la « pouillerie » ambiante : la beauté des jeunes femmes, et celle du vivace cinéma. La splendeur du désir. Toujours insoumis, subversif. Accédant enfin au plaisir souverain. La splendeur des plans. Parfois, leur impact. Souvent, leur composition et leur vibration.
Intervention de Gilles Langlais (laboratoire des Archives françaises du film), précédé d'une introduction de Daniel Borenstein.
Cecilia Cenciarelli travaille à la Cinémathèque de Bologne depuis 2000. Elle est actuellement directrice de la recherche, en charge du projet Chaplin. Elle coordonne également les projets de restaurations soutenus par la World Cinema Foundation.
Près de quinze ans après un premier coup d'essai sans suite immédiate (Le Sang d'un poète), après être devenu le scénariste prisé d'un cinéma français dont il désavoue tous les préceptes, Jean Cocteau revient à la mise en scène avec La Belle et la bête. Et réussit non seulement un chef-d'œuvre (à la splendeur inentamée), mais aussi un manifeste, un coup de cutter dans le cinéma de son époque – le réalisme poétique – redéfinissant cinématographiquement le réalisme et la poésie. En conclusion de l...
« Références à l'appui », en 1962, l'ex-star de la Warner conclut ainsi la petite annonce qu'elle fait paraître dans un journal de Hollywood. « Mère de trois enfants, divorcée, expérience à Broadway, cherche du travail... ». C'est ce moment de tournant dans la carrière de Bette Davis et l'histoire de Hollywood qui est ici choisi pour parcourir en rêve le destin de celle que sa mère surnomma « Bette » en hommage à Balzac.
Exposer le cinéma de Jacques Demy. Une drôle d'idée ou une évidence tant l'œuvre invite à circuler entre chacun de ses titres, à les « visiter » un par un. Demy rêvait que tous ses longs métrages n'en forment qu'un seul au final, espace ouvert et fermé où ses personnages réapparaîtraient, se croiseraient et échangeraient sans cesse. Comment « mettre en espace » cette éternelle mise en scène de la rencontre ? Comment raconter le parcours de ce cinéaste français qui fut l'un des seuls à interroger...
Dès qu'on lui a donné la parole (autour de 1929), le cinéma français s'est mis à chanter : adaptation d'opérettes, films-véhicules pour stars du music-hall, élaboration d'un étrange modèle de films chantants par René Clair. Jamais pourtant, la comédie musicale ne se constitue en genre. Seul Jacques Demy va en proposer sa très singulière formulation. Mais au même moment, de Varda à Godard, c'est toute la Nouvelle Vague qui place le format chanson au cœur même de son esthétique. Depuis, d'Eustache...
Amateur d'art et peintre à la fin de sa vie, Jacques Demy a réalisé de nombreuses comédies et drames romantiques influencés par les arts, de la peinture ancienne à la scène artistique de son temps. Ses décors, ses scénarios, ses dialogues rappellent ces inspirations, laissant deviner un lien entre les histoires d'amour qu'il met en scène et son amour de la peinture.
Entre hantise du scénario et méfiance à l'égard de l'improvisation, croyance absolue dans les vertus du tournage pour saisir le moment de bascule du réel, entre engueulades légendaires sur le plateau et relation d'amour-haine avec les acteurs, comment Pialat s'y prenait-il pour inventer une méthode inédite permettant au film de se faire, y compris au risque de le faire échouer ?
Si le principe fondamental du spectacle est de ne jamais ennuyer, Comencini a d'emblée et sans cesse affiné un ton à mi-chemin entre la comédie et le drame, un ton où se mélangent et se répondent, douleur, mélancolie, humour, ironie. Les grandes œuvres de la maturité du cinéaste explorent ce registre : les situations les plus dramatiques peuvent prêter à rire et les moments les plus grotesques avoir des racines tragiques.
Donnée à l'occasion d'une Journée autour des fonds d'archives, le 14 novembre 2012, cette conférence aborde le film de Marcel Carné sous l'angle de ses archives, détenues par la Cinémathèque française.
De Laura (1944) à The Thirteenth Letter (1951), à travers les dix premiers films qu'Otto Preminger réalisa, et souvent produisit, pour la Twentieth Century Fox, une étude de l'arrivisme, de l'égoïsme, des figures de domination et d'exclusion dans un univers – les États-Unis d'après-guerre – où il faut sans cesse lutter pour espérer rester dans le cadre, assurer sa place devant la caméra.
Où la souveraineté de la mise en scène côtoie parfois une certaine vulgarité du propos, où l'élégance suprême n'est pas exempte de cruauté envers les personnages féminins, où le lyrisme n'exclut pas l'ironie, où un même cinéaste s'intéresse autant à la décrépitude de l'homme qu'à sa grandeur...
Couvrant désormais plus de quatre-vingts ans d'activités, l'œuvre de Manoel de Oliveira donne l'impression d'avoir recommencé à plusieurs reprises, offrant de la sorte autant de conceptions différentes du cinéma. Cette conférence voudrait ainsi rendre justice à la diversité d'un parcours, caractérisé, entre autres, par sa forte exigence artistique et son goût pour l'innovation.
La pensée de Serge Daney a été utile en son temps et à beaucoup de spectateurs. Vingt ans après sa disparition, il faut dire aussi comment et en quoi cette pensée peut servir aujourd'hui.
Un jour, Bulle Ogier confiait ceci à Libération : « Actrice, est-ce un métier ? En principe ça ne devrait pas. » Tout est dit, quant à la méthode. Bulle Ogier préfère jouer de loin. C'est Bartleby fait femme : she would prefer not to.
Né à Burbank, Tim Burton grandit dans « un univers sans histoire, sans culture, sans passion » et, en même temps, source de son inspiration : une géographie réelle et imaginaire qu'on retrouve dans ses premières œuvres. A partir de Batman (la recréation de Gotham City) et surtout Sleepy Hollow, il migre vers des contrées plus européennes et aborde d'autres rivages esthétiques, ne cessant de déplacer le centre de gravité de son cinéma du Nouveau à l'Ancien Monde.
À travers les différents genres, films noirs et fictions d'horreur, qu'il a revisités de manière inédite, Kiyoshi Kurosawa n'a cessé de filmer l'existence comme une épreuve radicale de la survie. Les héros de ses films, engourdis et décalés, croisent leurs doubles ou des fantômes du passé tandis que la mise en scène, elle, travaille la vie au présent.
